ミュージシャンが稼げない理由と音楽で食べていくための必要な戦略とは

「才能があるのに評価されない」

「音楽だけでは生活できない」

という悩みを抱えるミュージシャンは少なくありません。

プロのギタリストとして活動する私の義理の兄も同様でした。

しかし、収入構造を見直し多角的な戦略を実践した結果、音楽一本で生計を立てられるようになっています。

本記事では、ミュージシャンが経済的に自立するための具体的な方法をお伝えします。

ミュージシャンが直面する厳しい経済的現実と3つの原因

音楽は多くの人の心を動かす芸術である一方、その担い手であるミュージシャンの経済状況は厳しいのが現実です。

なぜ才能ある多くのミュージシャンが経済的に苦しむのでしょうか。

この章で扱う主なポイントは以下のとおりです。

• 音楽ビジネスモデルの崩壊がもたらした収入構造の変化
• 競争激化と供給過剰による機会の減少
• ビジネススキル不足が招く収益化の失敗

多くのミュージシャンが経済的に苦しんでいる背景には、音楽業界の構造的な変化があります。

デジタル化によるビジネスモデルの崩壊、参入障壁の低下による競争激化、そしてアーティスト自身のビジネススキル不足が主な原因となっています。

これらの課題を理解することが、持続可能な音楽のキャリアには必要でしょう。

音楽ビジネスモデルの崩壊がもたらした収入構造の変化

かつてCDの売上が音楽業界の主要収入源だった時代は終わりました。

2010年代以降、音楽産業はストリーミングサービスへと急速に移行し、収益構造が根本から変化しています。

Spotifyでは1再生あたり約0.3〜0.5円という微々たる金額しか支払われず、100万回再生されても約30〜50万円にしかなりません。

この収入構造の変化は、ミュージシャンにとって大きな痛手となっています。

かつては1枚2,000円程度で販売されていたCDが、今ではほぼ無料で聴き放題の時代となり、音楽の「価値」そのものが大きく変わりました。

さらに問題なのは、ストリーミング収入からレーベルやマネジメントの取り分が差し引かれるため、アーティスト手取りはさらに少なくなる点です。

このような状況下では、単にヒット曲を出すだけでは十分な収入を得ることが難しくなっています。

ミュージシャンは新たな収入モデルを構築するか、複数の収入源を確保しなければ経済的に自立することが困難なのです。

競争激化と供給過剰による機会の減少

デジタル技術の発達により、音楽制作と発表のハードルが下がった結果、市場には膨大な数の楽曲が溢れています。

Spotifyには毎日約6万曲もの新曲がアップロードされ、この競争環境で注目を集めることは非常に難しくなりました。

日本国内でも、インディーズバンドやシンガーソングライターの数は増加の一途をたどり、ライブハウスの出演機会や聴衆の奪い合いが起きています。

特に地方都市では、ライブハウスの数自体が限られているため、出演機会を確保することすら難しい状況です。

さらに日本特有の問題として、ライブハウスでの「ノルマ制」があります。

これは出演者が一定数のチケットを売ることを義務付ける制度で、新人ミュージシャンにとって大きな経済的負担となっています。

結果として、音楽活動にお金を「支払う」立場になり、収入どころかマイナスからのスタートを強いられるケースも少なくありません。

ビジネススキル不足が招く収益化の失敗

多くのミュージシャンは音楽的才能は持っていても、ビジネスやマーケティングについてはさっぱりという方も多いのではないでしょうか。

音楽を創作することと、それを収益化することは全く別のスキルセットを必要とするものです。

例えば、契約内容の理解不足により不利な条件でレーベルと契約してしまったり、著作権管理の知識がないために本来得られるはずの印税収入を逃したりするケースがあります。

また、効果的なプロモーション戦略がなければ、どれだけ優れた楽曲を作っても、聴き手に届けることができません。

どんな良い商品でも、知られなければ、意味がないのです。

特に日本では「音楽は芸術であり、ビジネスとして考えるべきではない」という考え方も根強く、マーケティングやブランディングを積極的に学ぶミュージシャンが少ない傾向があります。

しかし現代では、音楽的才能と同等かそれ以上に、自分自身をプロデュースし、マーケティングする能力が成功の鍵を握っていると言っても過言ではありません。

プロミュージシャンの実態から見える収入の3つの階層

ミュージシャンの収入は均一ではなく、明確な階層構造が存在します。

一握りのトップアーティストが音楽業界の収益の大部分を占める一方で、多くの中堅・若手ミュージシャンは経済的に苦しんでいる可能性があります。

これらの実態を具体的な数字で理解することで、自分自身のキャリア目標をより現実的に設定できるようになります。

各詳細を見ていきましょう。

トップアーティストとそれ以外の圧倒的な収入格差

音楽業界の収入分布は極端な二極化が進んでいます。

日本の音楽業界では、トップアーティストの年収は数億円に達することもありますが、これはごく一部の成功者の話です。

例えばB'zやMr.Childrenなどのスーパースターは、ツアー収入、印税、グッズ販売、タイアップなど複数の収入源から安定した高収入を得ています。

数字を見ると、トップアーティストはライブツアーだけで数十億円の収益を上げることも珍しくありません。

さらに楽曲使用料やグッズ販売からの収入も加わり、年間10億円以上を稼ぐアーティストも存在します。

こうした超人気アーティストは、自身の音楽レーベルや関連企業を運営することで、ビジネスオーナーとしての収入も確保しているケースが多いです。

一方で、このトップ層とそれ以外のミュージシャンの間には、埋めがたい収入格差が存在します。

メジャーデビューしているにもかかわらず、年収1,000万円に満たないアーティストも少なくなく、いわゆる「売れている」というイメージと実際の収入は必ずしも一致しません。

この格差構造は、音楽業界特有の「勝者総取り」的な性質があるのかもしれません。

中堅ミュージシャンが実現している「そこそこ」の年収とその内訳

いわゆる「そこそこ」稼げるミュージシャンの年収は、一般的に300万円〜600万円程度と考えられます。

これは、メジャーレーベルに所属しながらもトップではない歌手や、知名度のあるインディーズバンドのメンバー、実力派のセッションミュージシャンなどの収入帯です。

彼らの収入内訳を見ると、単一の収入源に依存しておらず、複数の収入源を確保しているのが特徴です。

例えば、月に数回のライブ活動で10〜20万円、スタジオミュージシャンとしての仕事で15〜30万円、作曲や編曲の仕事で10〜20万円、音楽教室の運営で10〜15万円というように、さまざまな音楽関連の仕事を組み合わせることで安定した収入を実現しています。

注目すべきは、この層のミュージシャンがビジネス志向を持っている点です。

音楽的な腕前だけでなく、自分自身をブランド化し、マーケティングする能力や、人脈を構築・維持する能力を持っています。

また彼らは自分のニッチを見つけ、特定の分野で評価されることで、安定した仕事を獲得しているのが特徴的です。

デビュー前後の若手が直面する厳しい経済状況

デビューしたばかりのミュージシャンや、インディーズで活動している多くのアーティストの収入は非常に厳しいのが現実です。

特にバンド活動を始めたばかりのミュージシャンは、ライブハウスのノルマ制度などにより、むしろお金を支払う立場になることも少なくありません。

こうした若手ミュージシャンの年収は100万円未満というケースも多く、アルバイトや別の職業と両立しながら活動を続けるのが一般的です。

例えば、週末にライブ活動をする傍ら、平日は音楽関連のアルバイト（楽器店スタッフやスタジオ受付など）や全く別の仕事で生計を立てるというパターンが主流となっています。

若手がこの状況を脱するためには、いくつかの壁を乗り越える必要があります。

最も重要なのは、安定したファン層の獲得でしょう。

SNSやストリーミングサービスを効果的に活用し、自分の音楽に価値を見出してくれるファンを増やすことが第一歩となります。

同時に、作曲やセッションワークなど、パフォーマンス以外のスキルも磨くことで、収入源を多様化するのが賢明です。

音楽だけで生きていくための5つの収入源の確立方法

音楽活動だけで安定した収入を得るためには、単一の収入源に依存するのではなく、複数の収入の柱を確立することが不可欠です。

今は副業解禁時代ともなり、副業・兼業は当たり前の世界線になりました。

成功しているミュージシャンは、パフォーマンスだけでなく、さまざまな形で自分の音楽的才能を収益化しています。

これらの収入源をバランスよく組み合わせることで、音楽のキャリアにおける経済的安定を実現できます。

本来の好きなことをやるために、他でも稼げるポイントを見つけていくこと、これが大事だと私は思います。

それでは具体的な方法を見ていきましょう。

デジタル時代に対応したストリーミング収入

ストリーミング収入だけで生活することは困難ですが、効果的に活用すれば安定した収入基盤の一つになります。

まず重要なのは、できるだけ多くのプラットフォームに楽曲を配信することです。

Spotifyだけでなく、Apple Music、YouTube Music、AWA、LINE MUSICなど、複数のサービスを活用しましょう。

再生数を増やすための具体的な戦略としては、定期的な楽曲リリースが効果的です。

月に1曲以上のペースで新曲をリリースすることで、アルゴリズムの評価が高まり、プレイリストに選ばれる可能性が上がります。

また、ショートフォームの楽曲（1分程度）も作成し、TikTokなどのSNSで使われやすいようにするのも有効です。

さらに、海外市場への展開も検討すべきでしょう。

日本国内だけでなく、アジア圏やアメリカ、ヨーロッパなどのリスナーにもアプローチすることで、潜在的なリスナー層を大幅に拡大できる可能性があります。

英語版の楽曲を用意したり、ローカライズされたプロモーション活動を行ったりすることで、国際的な収入源を確立できるでしょう。

ライブ演奏とマーチャンダイズで築く安定した収入基盤

デジタル時代においても、ライブパフォーマンスは依然としてミュージシャンの主要な収入源だと言えます。

効果的なライブ戦略としては、同じ地域で定期的に公演を行い、地元のファン基盤を固めることが重要です。

頻度は月1〜2回程度が適切で、それ以上だと動員数が減少するリスクがあります。

ライブの収益性を高めるためには、チケット価格の適正化も必要です。

初心者は集客を優先し低めの価格設定から始め、ファン層が固まってきたら徐々に価格を上げていくのが王道です。

さらに、ライブ会場での物販は非常に重要な収入源となります。

ライブエンタメ産業においても、コンサートでの大きな収入源は物販であると言われていますね。

特に効果的なのは、Tシャツやトートバッグなどのグッズ販売です。

初期投資はかかりますが、原価の3〜4倍の価格で販売でき、利益率が高い商品です。

また、ライブ限定CDやデモ音源など、会場でしか手に入らない商品を用意することで、購買意欲を高めることができます。

また、キングコングの西野さんのお話の中では、日常使いができて、かつ毎回くるたびに買ってしまうような商品（シャンプーや化粧水他）の開発も戦略としては素敵だなと思います。

毎回商品開発する手間、そしてファンの方々も毎回違うものを買って溜まってく（それはそれで思い出になるのでいいのですが）、毎回ライブに行くたびにこれ買っちゃうんだよねー、というものが作れるときっと強いのでしょう。

オンラインショップも併設して、ライブに来られないファンにも購入機会を提供できると機会損失も防げます。

教室運営やレッスンで得る定期的な収入

楽器や歌のレッスン、作曲指導などは、ミュージシャンのスキルを直接収益化できる最も安定した方法の一つです。

特に月謝制のレッスンは、毎月定期的な収入が見込めるため、経済的安定に大きく貢献してくれるでしょう。

私の義理の兄も楽曲制作に加えて、定期的に教室による収入を得ています。

本人曰く、教えるよりは作曲したい意欲が強いらしく、あまりやりたくないのだそうですが。

また、対面レッスンだけでなく、現在ではオンラインレッスンの需要も高まっています。

Skypeやzoomを活用したリモートレッスンなら、地理的制約を受けず、全国、さらには海外の生徒も獲得可能です。

さらに、YouTubeでレッスン動画を公開し、広告収入を得ながら新規生徒の獲得にもつなげるという方法も効果的でしょう。

レッスン事業で成功するポイントは、自分の強みを活かした差別化です。

一般的なギターレッスンよりも「ジャズギター専門」や「女性ボーカリスト向けボイストレーニング」など、特定のニーズに応えるレッスンの方が高単価で提供できます。

また、グループレッスンを取り入れることで、時間当たりの収入を増やすことも検討しましょう。

せっかく教室を開いたのに、思うように集客できない。宣伝がうまくできない。

と言ったお悩みがある方は、Webプロモーションを上手に取り入れるのがおすすめです。

お困りの方は、Webマーケター兼セールスライターとして活動している私が少しお手伝いができるかもしれません。

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作曲や編曲の仕事で広がる活動領域

自分の演奏だけでなく、他のアーティストへの楽曲提供や編曲の仕事も重要な収入源になります。

私の義理の兄のメインの収入源も、現在こちらのお仕事です。

特に広告音楽、ゲーム音楽、企業VP（ビデオプレゼンテーション）向けの音楽制作は、一般的なポップミュージックよりも報酬が高く設定されていることが多いです。

作曲・編曲の仕事を獲得するためには、まず自分のポートフォリオを充実させることが必要です。

ジャンルの幅を広げ、さまざまなスタイルの楽曲を作れることをSNSなどを通じて上手にアピールしましょう。

音楽プロダクションやレコード会社に自分の作品を積極的に売り込むとともに、音楽コンテストや公募への応募も有効です。

また、オンラインプラットフォームを活用する方法もあります。

Fiverr、Upworkなどのフリーランス向けサイトや、AudioJungleなどの音楽素材マーケットプレイスに登録することで、海外のクライアントからも仕事を受注できます。

これらのプラットフォームでは、初めは低価格から始めて、評価を積み重ねることで徐々に単価を上げていくのが一般的です。

企業案件やセッションワークで収入を補強する方法

企業イベントでの演奏や結婚式の余興など、いわゆる「依頼演奏」は、ミュージシャンにとって安定した収入源になります。

特に企業イベントは報酬が高く設定されていることが多く、一回のパフォーマンスで5〜20万円程度の収入を得ることも可能です。

これらの仕事を獲得するためには、イベント会社や結婚式場との関係構築が重要です。

まずは、自分の演奏スタイルやレパートリーをまとめたプロフィールを作成し、積極的に営業をかけましょう。

また、既存のミュージシャンからの紹介も重要な仕事獲得ルートとなるため、業界内のネットワーク構築にも力を入れるべきです。

もう一つの選択肢として、スタジオミュージシャン（セッションプレイヤー）としての活動があります。

レコーディングスタジオでの録音サポートや、アーティストのバックバンドとしてのライブサポートなど、高い演奏技術を活かした仕事です。

セッションワークで成功するには、幅広いジャンルに対応できる柔軟性と、楽譜の速読能力が求められます。

これらのスキルを磨くことで、重宝されるセッションプレイヤーとして活躍できるでしょう。

成功しているミュージシャンから学ぶ3つのビジネス戦略

単に音楽を演奏するだけでなく、効果的なビジネス戦略を展開することが、現代のミュージシャンには求められています。

成功しているミュージシャンに共通するのは、アーティストであると同時に起業家としての側面を持ち合わせていることです。

彼らは音楽の質を高めるだけでなく、ファンとの関係性構築、効果的なマーケティング、そして独自のビジネスモデル開発に力を入れています。

これらの戦略を自分のキャリアに取り入れることで、より安定した収入基盤を築くことができるでしょう。

ファンとの直接的な関係構築で実現する新しい収益モデル

インターネットの発達により、ミュージシャンは中間業者を介さずにファンと直接つながることが可能になりました。

この直接的な関係性を収益化する最も効果的な方法の一つが、クリエイター支援プラットフォームの活用です。

PatreonやFANBOX（ファンティア）などのサービスを使えば、熱心なファンから継続的な支援を受けられます。

具体的には、月額制のサブスクリプションモデルで、支援者に限定コンテンツやリリース前の音源、制作過程の裏話などを提供します。

例えば、月額500円のプランでは毎月1曲の未発表曲を提供、3,000円のプランではオンライン交流会への参加権も付与、というような段階的な特典設計もできるでしょう。

成功しているミュージシャンの中には、数百人の支援者から毎月安定した収入を得ている例も珍しくありません。

また、クラウドファンディングを活用したアルバム制作も効果的な方法です。

従来のレーベル主導のリリースとは異なり、先に資金を集めてから制作に入るため、経済的リスクを軽減できます。

単なる金銭的な関係ではなく、ファンが「このアーティストの創作に参加している」と実感できる体験を提供することです。

プロジェクトの進捗報告や支援者の名前をクレジットに入れるなど、参加意識を高める工夫が重要です。

ファンと一緒に作り上げていく、そんな感覚が好きな方にはおすすめの方法でしょう。

SNSとデジタルマーケティングを活用した認知拡大術

現代のミュージシャンにとって、SNSは単なる宣伝ツールではなく、ファンコミュニティを構築するための中核的プラットフォームです。

効果的なSNS戦略では、各プラットフォームの特性を理解し、それぞれに適したコンテンツを提供することが重要です。

例えば、Instagramは視覚的なブランディングに最適で、日常の様子やライブの舞台裏などを共有することでファンとの距離を縮められます。

Twitter（X）は速報性が高く、リリース情報やイベント告知に効果的です。

TikTokは短い動画で音楽の魅力を伝えやすく、若年層へのリーチに優れています。

複数のプラットフォームを併用する場合でも、すべてに同じ内容を投稿するのではなく、各媒体の特性を活かした戦略が必要です。

デジタルマーケティングで成功しているミュージシャンは、コンテンツの質と投稿頻度のバランスを重視しています。

無理に毎日投稿するよりも、週2〜3回の質の高いコンテンツを継続的に発信する方が効果的です。

また、一方的な宣伝ではなく、ファンからのコメントに返信したり、質問を投げかけたりするなど、双方向のコミュニケーションを心がけましょう。

これにより、アルゴリズムの評価も高まり、より多くの人にコンテンツが届きやすくなります。

音楽以外のスキルを組み合わせたユニークなビジネスの構築

成功しているミュージシャンの多くは、音楽と他の分野を組み合わせたユニークなビジネスモデルを構築しています。

自分の強みや関心を多角的に展開することで、収入源を多様化させ、競争の激しい音楽市場で差別化を図っているのです。

例えば、ファッションセンスに優れたミュージシャンがアパレルブランドを立ち上げたり、DTM（デスクトップミュージック）に詳しいアーティストが音楽制作ソフトのプリセット販売や技術解説書の出版を行ったり、料理が得意なシンガーソングライターが音楽カフェを経営したりするなど、音楽を軸にしながらも別のビジネスを展開するなどがあるでしょう。

私の好きなバンドの「凛として時雨」のドラマーであるピエール中野さんは、ご自身でイヤホン・ヘッドホンなどの開発に携わり、オリジナルブランドで販売しています。

この「音楽+α」戦略の利点は、音楽活動の浮き沈みに左右されにくい安定した収入基盤を築けることです。

また、異なる分野のファンを取り込むことで、音楽活動の認知度も高まるという相乗効果も期待できます。

自分自身の音楽以外の強みや興味を分析し、それらを組み合わせた独自のビジネスプランを考えてみましょう。

重要なのは、単に収益化だけを考えるのではなく、自分の情熱や価値観と一致した事業を選ぶことで、長期的に継続できる仕組みを作ることです。

音楽への情熱と経済的自立を両立させる3つのキャリア設計

音楽で生きていくことと経済的な安定は、必ずしも二者択一ではありません。

音楽業界の現実を理解した上で、現実的なキャリア設計を行うことで、情熱と生活の両立が可能になります。

多くの成功事例に共通するのは、短期的な成功よりも長期的な持続可能性を重視する考え方です。

一気に「音楽だけで食べていく」状態を目指すのではなく、段階的にリスクを管理しながら確実に前進する戦略が、最終的には近道だと言えます。

本業と音楽活動を両立させるハイブリッドキャリアの設計

成功しているミュージシャンの中には、特に活動初期において、安定した本業と音楽活動を両立させるハイブリッドキャリアを選択しているケースがあります。

このアプローチの最大のメリットは、経済的なプレッシャーから解放され、純粋に自分の音楽性を追求できる点です。

理想的なのは、音楽関連の職業に就くことです。

楽器店スタッフ、音楽スタジオ勤務、音楽学校教員などの仕事は、業界内のネットワークを構築しながら、収入の安定も確保できます。

例えば楽器店で働けば、さまざまなミュージシャンと知り合う機会が増え、音楽機材の知識も深まるため、一石二鳥です。

また、時間的な柔軟性も重要なポイントです。

フリーランスやリモートワーク、シフト制の仕事など、時間の融通が利く働き方を選ぶことで、ライブやレコーディングのスケジュールと仕事を両立させやすくなります。

IT業界などでのフリーランスエンジニアやWebデザイナーといった職種は、音楽活動との相性が良いとされています。

なお、Webライターなどの文章を書く仕事も、ストーリーテリングのスキルなどは作詞に役立つ可能性も秘めているため、ライターとして活動している私個人的には非常におすすめです。

ハイブリッドキャリアを成功させるコツは、本業を「音楽活動の障害」ではなく「音楽活動を支える基盤」と捉える考え方です。

ラーメン屋でのアルバイトだったり、会社の事務職など、全く関連性がない仕事を本業にしてしまうと、ギャップに負けてしまう可能性があります。

夢中になれる仕事が一番です。もちろん音楽で食べていくのは1つの選択肢ですが、興味から自分に合う天職に出会える可能性もあります。

安定した収入があることで冒険的な音楽にも挑戦でき、焦らずに自分のペースでファン層を築いていけるのがこのモデルの最大の強みといえるでしょう。

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段階的に音楽活動の比重を高めていく

一気に「音楽だけで食べていく」状態にするのではなく、段階的に音楽関連収入の比率を高めていくアプローチが現実的です。

このステップバイステップの戦略により、経済的リスクを最小限に抑えながら、確実に音楽キャリアを前進させることができます。

具体的な移行プランとしては、まず週末だけのライブ活動から始め、徐々にレッスン事業や作曲の仕事を増やしていくイメージです。

音楽関連の収入が安定してきたら、本業の労働時間を減らし（例えば週5日から週3日へ）、空いた時間で音楽活動を拡大するといった流れが理想的でしょう。

このロードマップでは、明確な収入の目標を設定することが重要です。

例えば

「音楽関連収入が毎月20万円を超えたら本業の時間を減らす」

「音楽収入が6ヶ月連続で生活費を上回ったら全面移行を検討する」

といった具体的な指標を設けておくと、感情に流されず冷静な判断ができます。

一気に稼ごうとせず、2〜5年程度の期間が必要だと認識しておくことが重要です。

瞬間的に稼ぎ栄光を得るいわゆるトップスターのような成功ではなく、毎月20万、30万と生活に困らない安定収入が得られることの方が尊いのです。

焦らず着実に前進することで、経済的な土台をしっかりと固めながら、音楽活動を本業へと昇格させることが可能になります。

長期的な視点で音楽キャリアを持続させるためのマインドセット

音楽業界に限らず、長く活躍するためには、適切なマインドセットが不可欠です。

まず重要なのは、「成功」の定義を自分自身で再考することです。

メジャーデビューや大ヒットだけが成功ではなく、持続可能な形で音楽に携わり続けることこそが真の成功かもしれません。

音楽業界で長期的に生き残るために重要なのは、協力的な姿勢を持つことです。

エゴや短期的な利益を優先するのではなく、他のミュージシャンやスタッフとの良好な関係を構築することが、長い目で見れば大きなリターンをもたらします。

音楽業界は「人間関係のビジネス」であり、信頼されるミュージシャンには自然と仕事が集まる傾向があります。

もう一つ重要なのは、継続的な学習と自己投資です。

音楽スキルだけでなく、ビジネス知識、マーケティング、テクノロジーなど、時代の変化に適応するための幅広い学びが必要です。

例えば、最新の音楽制作ソフトを学んだり、SNSマーケティングの講座を受講したり、音楽ビジネスの書籍を読んだりすることで、自分の市場価値を高め続けることができます。

また、長期的なキャリアを築くためには、身体的・精神的な健康管理も欠かせません。

不規則な生活やストレスの多い音楽活動を続けるためには、適切な運動、食事、休息が重要です。

バーンアウト（燃え尽き症候群）を防ぎ、長く音楽と向き合うためにも、ワークライフバランスを意識したキャリア設計を心がけましょう。

まとめ：音楽で生き抜くための現実的戦略

音楽業界の厳しい現実を理解した上で、持続可能なキャリアを構築するためのポイントをまとめました。

音楽業界の現実は厳しいものですが、それは「ミュージシャンは稼げない」という諦めに直結するものではありません。

従来の成功モデルが通用しなくなった今だからこそ、創造的なアプローチと戦略的思考で、音楽への情熱と経済的自立を両立させることは可能です。

大切なのは、現実から目を背けず、かといって夢を諦めず、一歩一歩着実に前進していく姿勢ではないでしょうか。

もしまだ安定収入から見つけたい、という方は、転職エージェントにキャリア相談することから始めてみましょう。

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